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《绘画艺术的表现主义抽象之美》 ――薛明德

《绘画艺术的表现主义抽象之美》
    ――薛明德
    2020.5.2
   一、先来谈谈美
   谈绘画,就要谈艺术。谈艺术,必然就要谈到美。然后,我们再来谈表现主义抽象绘画之美。

   在人类的文明进程中,我们可以概括出美——美的句式。在中国的文字里,千百年来,这美,是又大又肥的羊。在黑暗的原始社会里,日出而作,日落而息。雷鸣闪电,使先民心生压抑恐惧,当天边的彩虹出现时,他们又欢呼雀跃,把它看成是和平的象征。艺术由此起源。把一切未知的自然现象归为神灵妖魔,顶礼膜拜。又大又肥的羊——美,在先民的心中形成了。这些自然现象引起先民的幻想,主要是与人类的心理与情感发生联系,而不是实用的功利的。而美,在中国的文化里,又大又肥的羊预示了财富,勤劳致富,可是我们的羊从来没有又肥又大,直到今天我们也不知道美在哪里,美是什么。
   从构词法来看,我们的美字,就是又大又肥的羊,这是物质属性的。这种实用主义的审美观与后来马克思主义的唯物论不谋而合。从古至今,我们充满了实用与唯物的审美观。
   
   中国最具权威的美学理论家李泽厚,在流亡美国期间,在一次讲座上,对他的听众们说,西方的现代艺术不能引起他的快感,所以不是美的。他把美感与快感,等同在一起了。
   美感不等同于快感。美感中包含了快感。快感与漂亮产生的效应是物理性的生物性的,然而美感与审美产生的效应是心理的精神性的。当我们谈到美感时,一定是有对象与我的审美发生关系。这种关系的发生,产生于直觉。直觉就是表现,即抒情的表现,也就是艺术。而艺术不是物理事实,不是功利活动,不是道德活动,不是概念或逻辑的活动。直觉是非功利的,因为它只发生一次,决定了美是不能重复的。朱光潜说:“艺术表现个人霎时特殊心境或情感的意象。”这里的霎时,就是指一次性,临场性。它具有个性、情感与意志。
   而快感,可以重复发生。比如,我们吃一种美食引起的快感,可以重复,你每吃一次,都会引起你同样的快感。
   而我们在欣赏艺术作品时,每一次欣赏,都会产生不同的情感,唤起你不同的联想,引发你不同的对于个人,以及人类命运的观照。审美的时候,也是欣赏者的一种参与,一种再创造,是精神的升华。
   而以李泽厚为代表的中国美学理论家们,是脱胎于马克思主义唯物论产生的美学观。他们的理论基础是,物质是基础,精神是上层建筑,物质决定精神。物质与精神之间不是平行发展的,精神可以不成比例地作用于物质。并且螺旋式上升。其中,起关键作用的人物是苏俄十九世纪的美学理论家车尔尼雪夫斯基。他主张美是生活,美来源于生活,高于生活。这种观点,普遍地被中国人所接受,运用于自己的艺术创作与欣赏活动。而这种观点是唯物主义的。而我提倡的是西方的唯心主义先验的形而上是主观的。
   而以朱光潜为代表的,吸收西方康德美学观点,认为艺术是唯心的,先验的,形而上学的,非功利的。这种美学观在中国一直被压制。高尔泰一直宣扬西方的美学观点,他受尽了打压与迫害,被关在青海的夹边沟劳改营,晚年的高尔泰先生不得不流亡美国。
   
   自从上个世纪50年代初,中国的美朮院校在院系调整中,不仅砍掉了艺术心理学,艺术伦理学,艺术美学,以及社会学,行为学等诸学科,代之的是苏联编制的马克思主义美学原理及其艺术概论,进而把所有留学西方欧美、日本和专家、学者、教授们排斥在讲坛之外,更多的是把资产阶级文艺观打成右派份子,流放,劳动改造。进一步实行艺术是为无产阶级政治,为统治阶级,为人民大众,为工农兵,为无产阶级经济服务。以候一民、李俊、蔡亮、魏传义、肖丰、全山石、罗工柳等为代表,成为了正宗的社会主义现实主义为其特征的学院派。
   在这种时期,图书馆、资料室,阅览室里苏格拉底、柏拉图、亚里士多德、叔本华、尼采、康德、克罗齐、贝克莱等自古希腊古罗马以降二千年来的美学著述通通被查封,除了苏俄的唯物主义相关的书籍外,还对黑格尔的逻辑学,美学大开绿灯,只是因为在马克思主义的原理和三个组成部分中,其中马克思在黑格尔的辩证法中抽取了合理的内核,才有了黑格尔所著《美学》的合法性,并给于了黑格尔终结古典哲学的桂冠。
   新中国成立后引进了来自社会主义阵营老大哥苏联的泊来品,艺术家马克希莫夫美术培训班,后来有罗马尼亚艺术家巴巴美术培训班,巴巴美术培训班不成气候,是因为有形式主义,抽象表现艺术的嫌疑而遭到冷遇。
   同时在中国的所有美术院校的基础课贯穿了苏俄艺术家契斯卡科夫的《素描教学》。来自马克希莫夫美训班的毕业生,后来成为了中央美术学院以及全中国各行政区美术学院的得力干将,无一例外握着毛泽东文艺思想的尚方宝剑,把中国的美术教育赶进了又肥又大的羊圈里,几十年以后,现在中国老百姓不是看得很清楚了吗,那些中国美术家协会会员,那些中国美术院校的教授,硕导,博导们,无不是腰缠万贯,盆满鉢满,这头又肥又大的羊不正是中国艺术家们追求的目的吗?还能够衣锦还乡,光宗耀祖,还可以过足主席,院长,加之什么长的官瘾呢。
   以中央美院为代表的教学法,认为素描是基础,是绘画之母。掌握好素描,就可以进行艺术创作。有人说:“文艺复兴时期的素描主要还是创作的准备,不认为他们把素描当成艺术,当成完整的艺术来对待”。我的看法是素描是绘画艺术中一个画种,不是造型艺术的基础,而是素描艺术,与油画,水彩,版画齐观。
   
   
   
   教学要求忠实于对象。把写生看成是习作,而创作是在大量的素材收集后,甚至拍很多照片进行组合。并且是在主题先行指导下,为每年在北京的中国美术馆举行大展提供作品。他们的主题往往就是为政治服务,千篇一律。
   
   最具代表性的油画《开国大典》,原作者是中央美院教授董希文。在原画中,有高岗的肖像,因为政治原因,后来被涂抹掉了。画中原有的刘少奇肖像,因为政治的原因,也被涂抹掉了。这些历史题材画,命运多舛(喘)。被原中央美院院长、美协主席靳尚谊重新复制了一遍,是为了参加一次纪念活动送去展览。很多年以后,在开国大典油画上,高岗、刘少奇的肖像又被添加上去了。是由两位中央美院的学生复制完成的。这种现象不是个例。一而再地重现着。原中央美院副院长侯一民,他不仅画了刘少奇在安源,后来因为政治原因,又画了毛泽东在安源。再后来,又重新复制了《刘少奇在安源》,因为原件已被毁。
   
   七十多岁的徐悲鸿的儿子,在一次艺术品拍卖会上,出示了鉴定证明书说,拍出七千万人民币的《女裸》,是他父亲上世纪二十年代画夫人裸体的油画。这件《女裸》油画很快被查明,是中央美院高研班同学的习作。(课堂作业)
   1978年3月,在北京中国美术馆举行《法国十九世纪农村风景画展》,其中有马奈、莫奈、西斯莱、德兰等早期印象派的作品,这是中国第一次与西方的现代派艺术面对面。展览结束时各美术学院派出了技术高强的教师对那些写实主义的大幅主题画进行了临摹复制,而无视印象派的优秀之处,视其为资产阶级文艺思想颓废没落的东西。
   
   还是那位中央美院前院长、美协主席靳尚谊,在一次讲座中对他的听众们讲到,绘画是水平,而不是风格。靳尚谊笔下的彭丽媛肖像画得很逼真,叫做水平,更有水平的冷军笔下所画的肖像,静物,无不是逼真,乱真,这样的绘画水平我们把它们称为----镜像,为此提出了一个必须直面的问题来,镜中的我,或者照片中的我是我吗?
   
   这里我们先从人体解剖说起,我们知道医学院有解剖课程,美术学院也有解剖课程,二者之间是完全不同的,医学上的解剖是为了更好更精准地为病人动手术,然而,绘画上的解剖学不是为了给病人作手术,只是在解剖课里帮助画家们了解人体肌肉,骨骼的结构和比例,二者之间有一个共同点就是只是对着尸体解剖。再者,医生在动手术时的对象,这个病人是在麻醉中任凭主刀医生摆布,而把病灶切除,这就是医学解剖的目的。然而画家面对的是有血有肉,动态的,表情生动,想入非非的,充满活力的我们。
   现在回到画家怎样画肖像,通常是指模特尔,这个模特尔不是丅台走秀的漂亮的商业化的尤物,而是画家最值得去画的美,这个美是个性独特的形象,不如说成是形式美。正在艺术家的笔下的笔触(线条)和色彩表现为了意味的作品,在艺术作品中的我不能与镜像中的我,照片中的我同日而语,他们被严格的边界区分开来了。镜中的我,照片中的我现在可以确定是外在的我,而自在,自为,內在的我的社会属性以及人格化的精神属性,不能在镜中反映,在照片中定格,不难看出画的镜像与照片中的像不过是娛乐,或者是商业需要,而不是美被审美。镜中的我,照片中的我已不再是我,我的现实存在对于在坐的各位不同的人有各自的印象,我的标准化的笑脸也不会取悦所有人。
   
   
   
   
   
   
   
   
   
   
   
   
   
   
   
   
   
   绘画去参加比赛是我所反对的。体育竞赛是可以争个一二名的,但绘画艺术却不是这样。艺术是每个艺术家表现的是他对美的状态,不是竞技上的比赛。
   
   二、谈表现主义绘画
   
   艺术不止是源于生活,这种唯物论不知局限了我们多少美的创造。
   艺术应源于人无意识的观念,无意识是指心理的活动,即潜意识,或者是意识流,是绝对的主观的精神状态。
   从古到今,艺术家们所要追寻的都是生命的意义和存在的价值。
   我成为了抽象表现主义的旗帜,高高举起去摧毁艺术为人民大众服务的谬论。人民大众需要的是崇高的艺术,永恒美的艺术!艺术的目的是美,成为了我过去50多年来在艺术中冒险和独立人格的典范,成为真正为艺术的品质与理想而追求的活生生的榜样。
   我只从这里出发,自我的切身感受,甚至是以肌肤之痛留下的血痕,灵魂的呼号出发来谈我对抽象表现主义绘画的认识。绘画与我生命息息相关,我在用生命捍卫艺术的尊严,艺术是神圣的,是我的圣殿,是我的伴侣,是我的同路人,直到永远。
   1969年7月,四川美院师生在重庆虎溪公社三汇大队支农,一个星期天,我拎着画箱,独自上山,一片荒凉衰败的景象,在我眼前出现了一座建筑物的废墟,有一些倒在地上,一些青石上面,刻的有些花纹和文字,由于岁月的流逝,它们已被人们遗忘在这里。刹那间,触景生情,我想到了我不就是这座被人遗弃的废墟吗?我打开了画箱,对着近景是废墟,远景是群山开始写生。夏天的阳光像金色的箭向我射来,又向废墟的四周围放射。天空湛蓝,如我的心境般明净,主色调废墟在阳光下呈现土黄色,土红色,桔黄色,与那周围的草地的铬绿,粉绿交织成孤独的小提琴的呜咽。好像是在哭泣,哭天空,哭太阳,哭大地,哭废墟,哭我。画完成了以后,太阳偏西了,很快这幅画遭到了师生们的严厉批判。说我这是个人奋斗的标志。是资产阶级颓废的个人主义的狂想曲。再后来,我把这幅画选上参加了在1979年初举办的巡回露天画展。

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